MODA HIP-HOP

L'hip-hop è sia la voce di giovani alienati e frustrati che un'industria culturale multimiliardaria confezionata e commercializzata su scala globale. L'hip-hop è anche una sottocultura multiforme che trascende molte delle caratterizzazioni popolari usate per descrivere altre culture giovanili guidate dalla musica. Una delle considerazioni importanti sull'hip-hop è che dalla sua concezione nei primi anni '70, l'hip-hop è diventato probabilmente più potente ed efficiente nel galvanizzare l'identità sociale nera rispetto al movimento per i diritti civili degli anni '60.

L'evoluzione dell'hip-hop si è sviluppata da una riflessione consapevole di parole e musica a un'espressione ostinata della vita urbana contemporanea attraverso gesti corporei e abbigliamento. Fin dall'inizio, la moda hip-hop ha seguito una traiettoria di fioritura incessante. Gli sviluppi sono stati principalmente nel settore dell'abbigliamento maschile; i primi vestiti erano funzionali e includevano articoli convenzionali: giacche di pelle con applicazioni multicolori, cappotti di pelle di pecora, giacconi per auto, jeans a coste o denim a gamba dritta, felpe con cappuccio, pantaloni sportivi da riscaldamento, finti dolcevita e scarpe da ginnastica e berretti. Gli articoli meno funzionali includevano jeans firmati e cinture moniker, gioielli d'oro, cappellini Kangol, Puma con lacci grossi, scarpe da basket e occhiali oversize di Cazal.

Negli anni '80 sono state introdotte forme di abbigliamento larghe che mascherano i contorni del corpo. Durante i primi anni 2000, l'archetipo dell'hip-hop consisteva in berretti da baseball decorati con le insegne delle leghe negre, delle squadre di calcio e di noti stilisti. Berretti e bandane di lana venivano indossati singolarmente o insieme. Piumini d'oca o altri capispalla per il cattivo tempo abbinati a felpe con cappuccio. Durante la fine degli anni '90, le onnipresenti t-shirt bianche oversize, le magliette da basket e le magliette da hockey sono diventate elementi fondamentali dell'espressione. Jeans larghi in denim o pantaloni cargo mimetici indossati in modo basso, zaini, stivali da combattimento o da trekking o scarpe sportive sono stati completati con tatuaggi e acconciature rasate, intrecciate o con i dreadlocks. Inizialmente l'abbigliamento femminile hip-hop consisteva in look insignificanti che riflettevano l'abbigliamento femminile contemporaneo ed erano accompagnati da articoli come jeans Gloria Vanderbilt, orecchini di bambù, borse Fendi e Louis Vuitton, catene con nome, top ombelico, top reggiseno, gonne corte, jeans attillati, stivali alti, capelli lisci intrecciati e trecce, tatuaggi e unghie finte e gioielli d'oro oversize. Inoltre, alcune donne indossavano capi di abbigliamento simili a quelli indossati dagli uomini negli anni '90. Rapper femminili come Lil' Kim e Foxy Brown hanno mostrato abbigliamento provocante e gesti sessuali stravaganti che alla fine sarebbero diventati una ragion d'essere per l'abbigliamento femminile hip-hop.

Dall'interno dell'ambiente postindustriale, l'hiphop è emerso come articolazione di un''alterità' affermativa, che a volte è impopolare e incompresa dai gruppi politicamente conservatori e socialmente moralisti, e specialmente da coloro che considerano sacrosanta la prospettiva modernista e anti-pluralista. .

Di conseguenza, l'hip-hop tende ad essere impopolare con le agenzie dell'establishment che desiderano censurare l'espressione e supervisionare la condotta e la morale dei giovani; tuttavia, l'hip-hop è compreso dalle agenzie di mass media ed è sfruttato come un sintomo della volatilità tra l'attrazione del materialismo e la stagnazione del sottoproletariato urbano. Lo stato precario di questa condizione costringe l'hip-hop a diventare un progetto incentrato sulla padronanza della sopravvivenza urbana, e quindi ha un fascino globale che è dimostrato dall'hip-hop della Nuova Zelanda, del Giappone, dell'Africa, della Francia e della Gran Bretagna.

Una forza centrifuga, l'hip-hop ha contribuito alla concettualizzazione di una prospettiva alternativa nella società più ampia; questo include il materialismo, le buone maniere, la morale, la politica di genere, il linguaggio, i gesti, la musica, la danza, l'arte e la moda. La musica e la moda hip-hop hanno raggiunto una posizione essenziale nella cultura, sebbene oscillino alla periferia del conformismo e dell'accettabilità generale, ma a causa della nozione di status di outsider e sulla base della popolarità della musica rock, l'hiphop è stato ammirato ed emulato da adolescenti della maggior parte delle etnie e classi sociali.

Dove è nato l'hip-hop?

L'hip-hop a volte è diventato sinonimo di una costellazione di prodotti nel mercato dei beni di lusso, anche se una situazione del genere sarebbe stata assurda alla genesi dell'hip-hop. L'hip-hop si è formato nella cultura delle feste nel seminterrato che si svolgevano nel Bronx a New York City. Queste feste sono state formalizzate quando i DJ Kool Herc, Grandmaster Flash e DJ Starski hanno iniziato a suonare a feste improvvisate nei parchi, nelle strade e nei centri sociali. Il DJ giamaicano Kool Herc, il fondatore accreditato del break-beat hip-hop, ha basato il suo sistema da discoteca Herculords sui sound system reggae giamaicani che suonavano in Giamaica e New York. La forma d'arte del rap è emersa come il modo di comunicare la narrativa al pubblico. Il rap è simile al 'toasting', una caratteristica consolidata della musica reggae.

Influenza su altri stili

'B-boy' e 'Flyboy' erano denominazioni utilizzate per differenziare coloro che si concentravano sulla musica e sulla danza e coloro che si concentravano sulla moda. B-boys e B-girls erano i primi, e Flyboys e Flygirls i secondi. I B-boys hanno derivato la loro designazione dalla break-dance. Break dancer vestiti con abbigliamento sportivo come scarpe da ginnastica Puma, pantaloni della tuta Adidas, t-shirt e giacche imbottite in nylon o pelle. Si sono specializzati nel fare movimenti poetici, acrobatici ed esplosivi che sfidano la gravità, con l'accompagnamento del fraseggio interrotto, ripetuto e sovrapposto di registrazioni break-beat.

Le tendenze secondarie che hanno seguito la break-dance sono diventate i precursori della moda influenzata dal rap. Ad esempio, ci sono correlazioni dirette con la moda associata al rap hardcore, gangsta rap e afrocentrico/culturale.

Un ragazzo di casa di New York a metà degli anni '90

Chi lo indossa è vestito con iconici classici americani tradizionali, una T-shirt bianca e jeans Levi's 501. O lo ignora o gli altri suoi vestiti e il modo in cui li indossa sono scelti per compensare il loro status: cappello da golf Kangol, scarpe da ginnastica Nike e gli onnipresenti boxer.

Tuttavia, il dispositivo chiave del display si ottiene indossando boxer con jeans in modo che il bordo elastico dei boxer faccia capolino sulla vita dei jeans rendendo visibile l'elastico con il marchio del designer. Di conseguenza i jeans vengono ristrutturati, al punto che la forma del pantalone inizia a influenzare la falcata di chi lo indossa. Fasci di tessuto si raccolgono intorno alla parte inferiore delle gambe, causando movimenti voluminosi e restrittivi. Questo modo precario di indossare i jeans crea le basi per l'espressione.

L'espressione B-boy ha superato con successo il divario subculturale. Anche gli skateboarder, che sono prevalentemente bianchi, hanno abbracciato gran parte dell'espressione B-boy e l'hanno adattata ai loro stili di vita. I Daisy Agers sono stati esemplificati dai rapper De La Soul, che hanno attinto alle caratteristiche afrocentriche dimostrate da vari movimenti di coscienza nera dagli anni '60. Neo-Panthers, Afrocentrics, Sportifs e Gangstas rappresentano sviluppi che hanno goduto di un seguito diffuso. In effetti queste caratterizzazioni contengono oggetti di abbigliamento che dimostrano complicità praticamente in ogni espressione della diaspora da quando l'hip-hop si è definito durante i primi anni '80. Molti degli oggetti di moda utilizzati dai B-boy degli anni '80 erano affermazioni dei pre-anni '80. Gran parte dell'espressione gangsta presa in prestito dallo stile da pappone degli anni '70, mentre l'aspetto della metà degli anni '80 dell'archetipo B-boy fondeva un'estetica da Black Panther con un look sportivo condito da Jamaican Rude Bwoys . B-boys e Flyboys hanno avuto successo come risultato dello scambio interculturale tra 'gli imperativi culturali della storia e dell'identità afroamericana e caraibica' (Rose p. 21).

Durante la metà degli anni '80 e l'inizio degli anni '90, la moda hip-hop ha acquisito importanza man mano che la musica hip-hop ha avuto successo in tutto il mondo. Di conseguenza, i B-boys non sono più neri e della classe operaia.

La genesi del fashion hip-hop è stata abilmente articolata dai B-boys degli anni '70 che hanno creato un percorso per i successivi gruppi hip-hop (Daisy Agers, New Jacks, Sportifs, Nationalist [neo-Panthers]), che hanno tutti aggiunto il loro proprie espressioni uniche alla moda. Come designer non ufficiali, tali gruppi hanno violato e corrotto molte delle proposte esistenti sulla moda e hanno fornito il modello che una nuova generazione di indossatori di moda hip-hop avrebbe dovuto impegnarsi. Come la musica hip-hop, la moda hip-hop modifica, campiona, ripete, unisce e crea nuove mode, a volte da sciocchezze e talvolta da sentimenti profondi che definiscono le esperienze in buona fede di chi indossa l'hip-hop. In molti casi si scopre che i B-boys hanno entusiasmo per le principali etichette di moda. Una caratteristica delle espressioni della moda hip-hop è una predilezione per le griffe americane, italiane e inglesi come Tommy Hilfiger, Ralph Lauren, Gucci e Burberry. Per il B-boy il consumo di vestiti fa parte di un rito di consumo ed esibizione che riafferma la formula 'Io sono = ciò che ho e ciò che consumo' (Fromm p. 36).

La stilizzazione esagerata del B-boy è articolata in abiti umoristici, esagerati e stravaganti che a volte sono simili a un personaggio dei cartoni animati. Questa estetica visiva sostituisce e dissipa ogni idea che l'alienazione renda gli individui invisibili. La versione 'standardizzata' della moda hip-hop è diventata parodia. Durante gli anni '80, le etichette di moda si sono integrate nella cultura hip-hop. L'adozione di abbigliamento Gucci e Fendi contraffatti e di Nike e Timberland autentiche rappresentavano i tentativi di creare una moda che avesse risonanza al di là del contesto della comunità hip-hop.

Durante gli anni '80, il negozio di Harlem Dapper Dan è diventato famoso per l'idea di esaltare marchi di moda 'esotici' come Fendi e Gucci. Gran parte dell'attrattiva per i consumatori era nella distillazione dei loghi di questi marchi di alta moda su loro vestiti e per le strade di Harlem. In genere, il tessuto stampato con i loghi di questi marchi verrebbe trasformato in abbigliamento che non si troverebbe nelle collezioni in buona fede di Fendi o Gucci. In definitiva Dapper Dan era un progetto postmoderno che includeva lo sviluppo della moda hip-hop.

Designer e produttori

In parte, la moda hip-hop è nata per impostazione predefinita. I designer di abbigliamento sportivo e scarpe sportive non hanno preso di mira le strade, i locali notturni o i video musicali come location principale per i loro prodotti. In particolare, l'abbigliamento sportivo di marca come Adidas, Reebok, Nike e British Knights era stato appropriato dall'hip-hop e divenne precursore dei marchi hip-hop dedicati alla moda sportiva di Troop, Cross Colors, Mecca, Walker Wear e Karl Kani. Tuttavia, le aziende di abbigliamento non hanno mai superato la preminenza del marchio di scarpe sportive. Le sneakers Nike e Adidas sono indicatori della distanza dell'hip-hop dal mainstream; per molti portatori la sneaker e lo Swoosh Nike erano oggetti potenti nel rito di passaggio urbano. Nike Air Force 1 e Air Jordan sono diventate iconiche e feticiste. Il logo Nike è stato indossato come gioiello, tagliato sui capelli e tatuato sulla pelle.

L'hip-hop ha creato le proprie tendenze e modelli di consumo, con reti culturali che mutano a un ritmo intimidatorio. La sua collusione con la moda mainstream è ben consolidata. Molti dei rap delle principali star dell'hip-hop esaltano l'importanza di indossare Gucci, Prada, Versace, Tommy, Earl, Burberry, Timberland, Coogi e Coach. Tali rap sono di solito vanti arroganti che condonano l'esaltazione come la richiesta di Lil' Kim sulla sua canzone 'Drugs' nell'album Hardcore , 'Chiamaci ragazze Gabbana, siamo pericolose, le puttane pagano una tassa solo per stare con noi' o 'Sì, infatti, scorre prima classe e la tua è allenatore come la borsa, la mamma Prada.'

Motivi, tessuti, colori e il dramma di indossare l'abbigliamento sono cambiati drammaticamente nel 1998, quando i leader dell'hip-hop hanno iniziato a riconoscere il quartetto di moda mainstream di Versace, Prada, Dolce & Gabbana e Gucci come il massimo dell'espressione della moda. L'attenzione materialista fissata dai gangsta hip-hop, dai musicisti e dalle celebrità hip-hop ha popolato l'idea di 'favolosità del ghetto' (la giustapposizione di oggetti 'favolosamente' costosi collocati nel contesto del ghetto impoverito) in sostituzione dell'hip-hop. le mode del luppolo che non si basavano sull'approvazione di marchi di moda tradizionali glamour e costosi.

Tali nuove inflessioni hanno indotto un'altra revisione della moda hip-hop. Sebbene l'abbigliamento sportivo ad alte prestazioni di marca fosse inizialmente popolare nella cultura hip-hop, il suo spostamento è stato richiesto quando Lil' Kim, tra le altre star dell'hip-hop, ha utilizzato importanti griffe per creare un'immagine di privilegio e status. I normali fan dell'hip-hop e le aziende di moda hanno capito questa idea. I rap di Lil' Kim e di altri rapper hanno iniettato nelle strategie di vendita al dettaglio, pubblicità e promozione delle aziende di moda una nuova fonte tematica e un mercato precedentemente non sfruttato. La moda hip-hop rappresenta un discorso sovversivo; le aziende di moda riconoscono questo punto di vista favorevole se vogliono incidere su valori e atteggiamenti urbani e quindi cool. Tuttavia, alcune aziende falliscono in questa ambizione e hanno tutte sofferto di 'miti' sui consumatori che sono 'incompatibili' con il marchio aziendale.

Nei loro tentativi di ottenere una rilevanza postmoderna, aziende di moda come Asprey, Puma, Versace e Iceberg hanno utilizzato la raccomandazione formale offerta nelle strategie di cross-marketing. Questo può variare da una celebrità che appare in una campagna pubblicitaria o semplicemente seduta in prima fila alla sfilata di uno stilista.

Per contrastare questo, un certo numero di magnati della musica hip-hop - Russell Simmons, P. Diddy e Master P - hanno tutti posseduto aziende di abbigliamento. Le loro aziende producono collezioni di moda creativa che sono sincronizzate con la produzione musicale delle loro imprese discografiche. Queste aziende si separano in quelle che seguono un'accurata interpretazione della moda hip-hop e quelle aziende che cercano di incrociare e produrre design che hanno un ampio appeal sulla moda di massa piuttosto che un appeal hip-hop specializzato.

Nel tentativo di modellare la direzione e il contenuto della moda hip-hop, i magnati dell'hip-hop hanno ignorato le esperienze di vita, i mezzi economici e le tendenze autocreative dei seguaci dell'hip-hop a favore di un'ideologia personale.

Come l'hip-hop supera i confini

All'inizio degli anni '90, un gruppo di seguaci dell'hip-hop di Brooklyn iniziò a riutilizzare le etichette di abbigliamento Ralph Lauren e a cucirle su capi di abbigliamento non realizzati da Ralph Lauren. L'azione della sottocultura Lo-lifer è stata quella di sfidare l'opposizione commercialmente aggressiva di Ralph Lauren e contrastare l''antagonismo' del marchio di moda. La decostruzione dell'immagine di marca ben mantenuta dell'azienda di moda crea un'inversione nella gerarchia. Quando l'etichetta Polo di Ralph Lauren viene dipinta a mano su un muro, o anche su un asciugamano, come facevano i Lo-life, viene posta una domanda sul marchio commerciale e sulla rappresentazione mitologica del logotipo della moda.

Una caratteristica della moda hip-hop sono i molteplici temi che vengono filtrati attraverso le aspirazioni di indossatori e designer. Il designer mainstream americano Tommy Hilfiger ha catturato con successo una comprensione della cultura hip-hop e ha prodotto articoli di moda molto specifici, che si adattano al mercato senza scusarsi.

Durante la metà degli anni '90, i nuovi tagli dei jeans di Hilfiger ricevettero titoli come 'Uptown', che si riferiscono alla collocazione geografica di Harlem e del Bronx, due distretti di New York con grandi popolazioni afroamericane. Il taglio Uptown dei jeans è apparentemente lo stesso dei jeans extra larghi e bassi prodotti da qualsiasi altro designer hip-hop o popolare produttore mainstream che si rivolge al mercato hip-hop; tuttavia, il grado di entusiasmo hip-hop per Hilfiger ha reso il marchio molto popolare.

La moda hip-hop è considerata un delineatore di 'cool'. In effetti, gli aspetti dell'hip-hop sono diventati la caratterizzazione della dissonanza; ecco perché i principi reali britannici William e Harry erano felici di adottare gesti da homeboy mentre indossavano berretti da baseball. Probabilmente non avendo mai incontrato un vero B-boy dal vivo, le belle posture gestuali sono senza dubbio raccolte dai video musicali.

In uno degli studi più informativi sull'espressione cool, Majors e Billson suggeriscono che il cool aggiunge valore alla privazione dei diritti dell'individuo. La sua pratica è costruita attraverso l'atteggiamento e implica lo status di chi lo indossa attraverso un'importanza attribuita agli oggetti di moda. Il fenomeno del cool emerge come l'ingrediente avvincente della vita hip-hop; è effettuato dagli attaccamenti del sé. Fantastico, o per usare altre evocazioni, 'volare' o, in Gran Bretagna, 'disegnarlo' è una procedura creativa di furtività che funge da distintivo di appartenenza, sebbene consenta a chi lo indossa di apportare piccole modifiche alla configurazione dell'abbigliamento.

Guarda anche Tommy Hilfiger ; Ralph Lauren ; Musica e moda.

Bibliografia

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