Costume teatrale

La tradizione teatrale occidentale ha le sue basi nelle celebrazioni greche eseguite nel VI secolo a.E.V., in onore di Dioniso, il dio del vino e della baldoria. Le feste (danze, canti e risposte corali) si sono evolute in drammi parlati nel 535 a.E.V., quando il drammaturgo Tespi introdusse un attore per rispondere al capo del coro. Il risultato è stato il dialogo.

Un altro drammaturgo, Eschilo (525-456 a.E.V.), è accreditato di aver stabilito quello che divenne il costume tradizionale per la tragedia greca. Consisteva in una tunica lunga, con maniche e fantasia, una maschera stilizzata per il riconoscimento istantaneo del personaggio e un paio di scarpe con la suola alta chiamate corthunae. Tutti questi indumenti erano esclusivamente per uso teatrale. Non si può recitare l'eroe nell'abbigliamento di tutti i giorni.

Anche gli attori delle commedie greche indossavano maschere per indicare quali personaggi interpretavano. Inoltre, spesso aggiungevano parti del corpo esagerate, fondi o stomaci imbottiti e falli oversize per aumentare l'effetto comico. Le tuniche corte, molto simili a quelle indossate dai normali cittadini, erano ritenute appropriate per la commedia.

Sebbene i romani abbiano aggiunto i propri colpi di scena, le convenzioni sui costumi stabilite dai greci sono rimaste essenzialmente le stesse fino alla caduta dell'Impero Romano, quando il teatro occidentale è praticamente scomparso per ottocento anni.

Il Medioevo e il Rinascimento

Quando il teatro è riemerso, lo ha fatto, ironia della sorte, nel contesto della chiesa. La chiesa cristiana era il nemico giurato del dramma (percependolo sia immodesto che simile all'adorazione del diavolo). Ma, poiché i servizi venivano eseguiti in latino, che sempre meno parrocchiani potevano capire, i sacerdoti dovevano escogitare un modo per drammatizzare la liturgia.

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Dal V secolo E.V. in poi, i drammi misterici, gli eventi drammatici nelle scritture e i drammi miracolosi, che rappresentavano la vita dei santi, furono sempre più rappresentati sia all'interno della chiesa che nei terreni della chiesa. Man mano che diventavano più elaborati, si trasferirono nella piazza del mercato.

I costumi indossati nei primi drammi religiosi erano indumenti ecclesiastici. Man mano che le sceneggiature diventavano più laiche, spesso coinvolgendo cittadini oltre al clero, gli artisti laici si assumevano la responsabilità di eventuali pezzi in costume non di proprietà della chiesa. L'arte religiosa contemporanea ha fornito ispirazione per personaggi come Daniele, Erode, la Vergine Maria e vari diavoli.

Fu durante il Rinascimento che gli elementi di produzione, sia di scena che di costume, divennero ancora più importanti del testo. In tutta Europa, la nobiltà organizzava sontuose maschere di corte e rievocazioni storiche per intrattenere i propri ospiti. I costumi raffiguravano divinità, animali e creature mitologiche, oltre a emozioni come speranza e gioia. I designer di queste feste includevano Leonardo da Vinci e Inigo Jones.

The Commedia Dell'Arte

La Commedia dell'arte, una forma di commedia popolare di strada, emerse in Italia durante il XVI secolo. Gruppi di attori itineranti hanno presentato spettacoli in gran parte improvvisati in tutta Italia e in Europa.

Come le commedie greche (a cui si pensa sia legata la commedia), gli attori della commedia interpretavano personaggi di serie identificabili dalle loro maschere e dai loro costumi tradizionali. Pantalone, l'archetipo del vecchio barcollante, era spesso vestito con gli ampi pantaloni che ora portano il suo nome. L'astuto servitore Brighella aveva un manto a strisce verdi orizzontali, antesignana della livrea britannica ottocentesca. Altri personaggi comici includono Arlecchino, o Arlecchino, Il Dottore, un accademico pedante sempre vestito di nero, e Il Capitano, uno spagnolo codardo. I personaggi seri della commedia, due coppie di innamorati e una serva, indossavano abiti contemporanei.

Le opere di William Shakespeare, Jean-Baptiste Moliere e Jean-Antoine Watteau mostrano tutte le prove dell'influenza di questa importante forma d'arte popolare.

Dal Cinquecento al Settecento

I costumi per le opere di Shakespeare erano una miscela di vari periodi che il pubblico accettava come convenzione standard. La maggior parte delle parti sono state eseguite in abiti contemporanei di proprietà dell'attore (tutti erano uomini) o forniti dal mecenate del teatro. A volte, un elmo o una corazza potrebbero indicare un soldato. Fate e ninfe potrebbero indossare drappeggi classici.

Lo stesso principio vale per il costume nel Seicento e nel Settecento. La maggior parte degli attori e soprattutto delle attrici si vestono nel modo più elegante possibile. Un turbante indicava un carattere orientale. Un elmo piumato significava un soldato. Gli artisti hanno fornito il proprio guardaroba ad eccezione degli articoli speciali forniti dal teatro.

L'Ottocento e il primo Novecento

William Terriss come re Enrico VIII. 1895

Il periodo tra il 1770 e il 1870 ha visto una spinta verso l'accuratezza storica nel design dei costumi. Poiché il viaggio è diventato relativamente più facile, i rapporti, sia scritti che visivi, hanno aumentato la conoscenza delle altre culture da parte delle persone. Mostre internazionali come la Crystal Palace Exhibition a Londra nel 1851 hanno portato al pubblico la cultura materiale dei luoghi esotici. Volevano che ciò che vedevano e leggevano si riflettesse sul palco.

Nel principato tedesco di Sassonia-Meiningen, il duca Giorgio II fondò la sua compagnia teatrale chiamata i Meininger. Il Duca ha usato ogni risorsa disponibile per creare costumi autentici per i suoi attori.

I Meininger girarono ampiamente il continente e lo stile delle loro produzioni influenzò notevolmente bastioni del realismo del diciannovesimo secolo come il Théâtre Libre a Parigi e il Moscow Art Theatre in Russia. Negli Stati Uniti, le produzioni dell'impresario David Belasco riflettevano la sua ammirazione per questo nuovo stile realistico.

Ne seguì un inevitabile contraccolpo. In Russia, per citare solo un esempio, gli artisti costruttivisti hanno disegnato costumi altamente concettuali la cui unica relazione con l'abbigliamento era che erano indossati da esseri umani.

Alla fine entrambi gli stili furono riconosciuti come validi, portando alla miscela di produzioni storicamente accurate o concettuali che continua nel ventunesimo secolo.

Pratica corrente

I costumi teatrali sono progettati per supportare la sceneggiatura. Se il realismo o lo storicismo sono al centro del testo, i costumi rifletteranno accuratamente l'abbigliamento appropriato al periodo o all'ambiente. Gli esempi includono Henrik Ibsen's Il capomastro , che richiede abbigliamento dei primi anni del 1890, o David Storey's Lo spogliatoio , che richiede uniformi e abbigliamento da strada appropriati per un gruppo di giocatori di rugby nel nord dell'Inghilterra.

Altri script richiedono un approccio più fantasioso. di Shakespeare La tempesta deve essere ambientato su un'isola, ma quell'isola può essere ovunque nel mondo. Prospero e Miranda possono vivere in qualsiasi periodo di tempo concordato dal regista e dal team di progettazione.

L'influenza del costume sull'abito alla moda

Mentre il costume cinematografico influenza spesso l'abbigliamento alla moda, il costume teatrale non lo fa quasi mai. Un film viene visto da milioni di persone in tutto il paese nella prima settimana dalla sua uscita. Al contrario, il teatro medio di Broadway può ospitare solo ottomila persone nello stesso periodo di una settimana.

Inoltre, c'è in genere un intervallo di un anno o più tra la fine delle riprese e l'uscita del film. In questo intervallo riviste di moda e altri periodici possono pubblicare spread che mettono in mostra i costumi, creando la domanda dei clienti. Storicamente, studi cinematografici, produttori, grandi magazzini e aziende di modelli di sartoria hanno stretto partnership per promuovere sia il film che i capi ready-to-wear (o ready-to-sew) che il film ha ispirato.

Un classico esempio è l'abito 'Letty Lynton' indossato da Joan Crawford nell'omonimo film del 1932. Si dice che più di 500.000 copie del design di Adrian siano state vendute ad ogni fascia di prezzo non appena il film è uscito. Nel 1967, i costumi di Theodora von Runkle per Bonnie e Clyde ha scatenato la tendenza per gli stili revival degli anni '30 che erano così popolari alla fine degli anni '60. I costumi di Ruth Morley per Diane Keaton sono stati prodotti Annie Hall sosia negli Stati Uniti e in Europa alla fine degli anni '70.

Un altro motivo per cui può esserci poca relazione tra abbigliamento teatrale e abbigliamento da strada è la scala. Un costume è progettato per essere visto da una distanza di trenta o quaranta piedi. I dettagli sono esagerati per renderli visibili. Il cinema, al contrario, riguarda principalmente i primi piani. I costumi dei film devono essere 'reali' in un modo che i costumi teatrali di successo non possono essere.

Esistono alcune eccezioni, ma sono rare. Un abito rosso disegnato da Patricia Zipprodt per la produzione di Broadway del 1969 di Neil Simon's Plaza Suite è stato successivamente prodotto per Bergdorf Goodman. Nel 2002, Bloom-ingdale ha introdotto una collezione di capi di taglie forti basata sui disegni di William Ivey Long per il musical Lacca per capelli.

Il pubblico per un evento teatrale è così piccolo rispetto al numero di persone che assistono ai film che ha poco senso economico utilizzare il teatro come fonte di design. L'abbigliamento contemporaneo per il palcoscenico può riflettere l'abbigliamento alla moda, ma non lo influenza.

Requisiti speciali

Le scarpe da ballo hanno bisogno di flessibilità

Soprattutto, un costume teatrale è progettato per il movimento. I giromanica sono tagliati più in alto di quanto non lo siano negli abiti prodotti in serie per consentire all'attore di alzare le braccia senza che l'intero indumento lo segua. I cavallo sono tagliati più in alto per consentire i calci senza dividere una cucitura.

I costumi devono essere costruiti per essere abbastanza resistenti da resistere a otto indossamenti a settimana per mesi o addirittura anni, con pulizie o lavaggi poco frequenti. Se la sceneggiatura richiede un 'cambio rapido', il che significa che l'attore fa un cambio completo di vestiti in meno di un minuto, il costume sarà costruito per facilitare il cambiamento. Per cambiare rapidamente una camicia, ad esempio, i bottoni vengono cuciti sopra le asole. La maglietta è tenuta chiusa da bottoni automatici o nastro adesivo in modo che possa essere letteralmente strappata dall'esecutore.

Le scarpe dei ballerini devono avere suole abbastanza sottili da consentire alla ballerina di flettere e puntare il piede. Quando è realizzato su misura, la pelle di alce è il materiale preferito.

Tendenze e sviluppi

I costumi teatrali fanno molto affidamento su fibre naturali (cotone, lino, seta e lana). I sintetici non si maneggiano o si drappeggiano come le fibre naturali. Detto questo, tuttavia, lo sviluppo di nuovi materiali ha avuto un enorme effetto sull'industria.

Prima della fine degli anni '50, ad esempio, i collant delle ballerine erano realizzati in cotone elasticizzato, dati a sags e borse, oppure erano lavorati a maglia e soggetti a correre. L'invenzione della lycra, dello spandex e di altri tessuti elastici bidirezionali ha eliminato tali problemi. Il crine di nylon intrecciato può essere utilizzato per realizzare gorgiere che simulano gli originali in lino inamidato ma che mantengono la loro forma una volta lavati.

Nessuna azienda produce tessuti esclusivamente per l'uso in costumi. Il mercato è troppo piccolo. I clienti, tuttavia, sono estremamente creativi nello scoprire usi teatrali per prodotti progettati per altri scopi. Veri-form, un marchio per un tipo di telo termoplastico, ad esempio, è un tessuto a rete in plastica a trama aperta utilizzato dai chirurghi ortopedici per calchi leggeri. Rende eccellenti armature e maschere, non è tossico e facile da lavorare.

La rete di plastica utilizzata per ventilare i berretti da baseball rende le crinoline indistruttibili e poco costose. L'aria condizionata e altri tipi di schiuma possono essere tagliati e scolpiti per formare la sottostruttura di mascotte leggere o altri costumi che sono più alti e più larghi dell'attore al loro interno. Il becchime, racchiuso in un body, è eccellente per simulare il movimento del seno cadente.

Lo sviluppo più significativo nel settore negli ultimi vent'anni è stato senza dubbio un'accresciuta consapevolezza dei problemi di salute e sicurezza. Ancora negli anni '70, sia i designer che i costumisti trattavano abitualmente i tessuti con vernici, solventi e colle altamente tossici senza comprendere i rischi connessi. Nel ventunesimo secolo, non solo sono disponibili prodotti meno tossici, ma le schede di sicurezza dei materiali, i respiratori, le cabine di verniciatura e altri dispositivi di protezione sono la norma.

Mentre i materiali continuano ad evolversi e gli stili di design dei costumi vanno e vengono di moda, il principio rimane costante. Come scrisse Robert Edmond Jones nel 1941, 'Un costume di scena è una creazione del teatro. La sua qualità è puramente teatrale e portata fuori dal teatro perde subito la sua magia. Muore come muore una pianta sradicata (p. 91).

Guarda anche Attori e Attrici, Impatto sulla Moda; Arte e Moda; Costume da balletto; Trucco teatrale.

Bibliografia

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Cheney, Sheldon. Il teatro: tremila anni di teatro, recitazione e scenotecnica. New York, Londra e Toronto: Longmans, Green e Co., 1952.

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Jones, Robert Edmond. L'immaginazione drammatica. New York: Arti teatrali, 1941.

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