Moda latinoamericana

L'abbigliamento e la moda latinoamericani si riferiscono all'abbigliamento, al corpo e alla cultura di una vasta ed eterogenea regione della cultura mondiale che comprende Messico, America Centrale, Caraibi e Sud America. Dato che la natura dell'abbigliamento in America Latina è molto diversificata, si può guardare alle sovrapposizioni di influenze storico-sociali che hanno plasmato la ricerca dell'eleganza e trasformato le dinamiche della vita quotidiana per chiarirne alcune caratteristiche generali.

Antica America Latina

Quando Cristoforo Colombo rivendicò le isole di Cuba, la Repubblica Dominicana e Haiti per la Spagna nel 1492, iniziò la conquista delle popolazioni indigene che vivevano nella regione che divenne nota come America Latina e Caraibi. Le prime immagini e resoconti dei nativi americani che circolarono in tutta Europa rivelano molto sul senso di stupore provato dai primi colonizzatori. Osservano la nudità dei nativi con stupore e si meravigliano della presenza di beni materiali come tessuti di cotone, intricati lavori di piume e tessiture. Questo 'Nuovo Mondo' fornirebbe all'Europa beni materiali diversi come argento, oro, zucchero, cioccolato, tessuti e tinture. Il Portogallo, coinvolto nella propria spinta al potere coloniale, sfiderebbe con successo la Spagna per la regione che costituisce il paese del Brasile. Quando Spagna e Portogallo stabilirono rapidamente governi coloniali, le popolazioni autoctone subirono gli effetti di conquiste brutali, malattie incurabili e conversione forzata al cristianesimo. Fra Bartolomé de Las Casas condannò duramente le pratiche di sfruttamento dei conquistadores e dei coloni che si erano rivolti alla schiavitù e ad altre forme di violenza sistematica per stabilire ranch, miniere e industrie tessili.

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Per mantenere un senso di gerarchia e rispondere all'aumento di razza mista , o mescolanza razziale, fu stabilito un sistema di caste in tutta la regione. Prima della colonizzazione, abiti e tessuti erano spesso serviti come indicatori di identità sociale e religiosa e come mezzo di scambio. Il sistema delle caste costrinse i nativi e gli schiavi africani a indossare stili di abbigliamento occidentali, rafforzando così l'autorità degli spagnoli e dei portoghesi e, nel tempo, dei loro discendenti creoli. Alcune comunità indigene hanno dato voce alla loro storia e alle loro credenze religiose con l'aiuto di intricati sistemi di codifica a colori, come si trovano nei tessuti o nelle raccolte di corde. In questo modo, il huipil del Guatemala e degli altopiani del Messico misero le divinità del sole e degli inferi in dialogo con la fede cristiana. Indossata ancora oggi, questa camicetta tradizionale componente dei Maya costume , o vestito, rivela informazioni sul villaggio, lo stato, l'eredità e le convinzioni personali di una donna. Recenti scavi in ​​Argentina e Brasile indicano le origini africane e islamiche di alcuni gioielli trovati vicino ai siti di piantagioni e palazzi urbani, suggerendo che gli accessori potrebbero non essere stati censurati dalle autorità coloniali allo stesso modo dell'abbigliamento. Come indicano i registri del tribunale, si potrebbe indossare quasi tutti i modelli a condizione che fossero specifici per genere. La scelta del tessuto, tuttavia, era una cosa molto seria. A seconda del suo status sociale, una donna messicana del XVIII secolo avrebbe acquistato una seta o un cotone or rebozo , o sciarpa. I decreti vietavano l'uso di determinati tessuti da parte di coloro che il sistema delle caste considerava inferiori, portando così al divieto di velluto o taffetà per gli Inca appositamente modellati. unku s, o tuniche, nella regione andina.

Indipendenza e stile di abbigliamento

peineton argentino

All'inizio del XIX secolo, la regione ha sperimentato diverse richieste di indipendenza dalla Spagna e dal Portogallo che hanno profondamente influenzato il modo in cui le persone consumavano la moda. Per Cuba e Porto Rico, questa lotta per l'indipendenza non si sarebbe concretizzata fino alla fine del diciannovesimo secolo, sebbene la descrizione della moda e della danza in diverse opere letterarie iniziasse a tracciare la fine del dominio spagnolo e a costruire identità politiche alternative. Nell'immaginario visivo di questo periodo, leader creoli come Simón Bolívar (Venezuela) e José de San Martín (Argentina) appaiono in mantelli e uniformi spazzate dal vento di loro propria concezione. Molte donne si sono trovate chiamate a cucire gli accessori della guerra, i loro prodotti in vista e le loro identità nascoste. Alcuni, tra cui Juana Azurduy de Padilla (Bolivia) e Josefa Tenorio (Argentina), indossarono uniformi maschili per combattere sul campo di battaglia, sostenendo in seguito di meritare uno status uguale nella società postcoloniale. Allontanandosi dai costumi della Spagna, le donne alla moda di Buenos Aires hanno trasformato gli spagnoli pettine , o pettine, nell'argentino di tre piedi per tre piedi peineton per affermare la loro presenza ea volte ostacolare la stessa sfera pubblica che professava l'indipendenza dall'oppressione ma che, ironia della sorte, non aveva ancora concesso tutto il privilegio della cittadinanza. Nelle caricature satiriche del periodo, le creste ingrandite dei pettini delle donne portano nel centro di Buenos Aires e sopraffanno rapidamente i cappelli a cilindro degli uomini.

Dopo la ritirata del colonialismo spagnolo, la retorica della moda ha fornito un forum per le discussioni sulla configurazione dell'identità nazionale. In alcuni casi, la scrittura di moda ha permesso agli intellettuali di diffondere importanti programmi politici ed eludere la censura. Nella regione del Cono Sud, il regime di Juan Manuel de Rosas ha cercato di eliminare l'opposizione politica richiedendo un'insegna scarlatta su un giacca , o gilet da uomo, di tutti i cittadini. In una violenta spinta verso l'omogeneità, un decreto vieta l'azzurro, colore identificativo dell'opposizione, e il verde, noto simbolo di speranza. In questo clima difficile, le persone mondane hanno introdotto un linguaggio segreto di fan, inserti codificati per cappelli a cilindro e guanti rivelatori di messaggi, per affermare cosa c'era nella mente di chi li indossa. Appropriandosi di metafore del regno della moda, nel 1837 un gruppo di intellettuali argentini fondò una rivista di moda, intitolata Moda dopo l'audace La moda che era servito come forza di opposizione violenta nella Francia rivoluzionaria. Usando pseudonimi femminili e approfittando del fatto che pochi associavano la scrittura di moda alla politica, questi padri fondatori dell'Argentina moderna affermarono i loro ideali urbani e democratici prima di cercare l'esilio nei vicini Cile e Uruguay per evitare la persecuzione. In un'esplorazione delle dinamiche di civiltà e barbarie nel suo paese natale, Domingo Faustino Sarmiento, uno dei Moda i fondatori e futuro presidente dell'Argentina (1868-1874), sostenevano un processo di consolidamento che liberasse la nazione dai suoi valori rurali tradizionali, incarnati dal gaucho senza legge vestito di poncho che aveva sostenuto a lungo il potere di Rosas; L'obiettivo di Sarmiento era che il paese abbracciasse uno stile di vita urbano, e quindi più 'civile', più favorevole agli obiettivi del governo per la crescita economica e la modernizzazione. I boom economici alla fine del diciannovesimo secolo avrebbero fatto guadagnare all'Argentina la reputazione della Parigi del Sud America, poiché il suo paesaggio urbano si era trasformato in un'allusione al lusso, al consumismo e al capitalismo internazionale.

Gli immigrati portano la moda europea

Con il massiccio afflusso di immigrati europei nelle città dell'America Latina all'inizio del secolo, il lusso ha assunto un ruolo fraudolento. I membri dei nuovi ricchi e dei nuovi arrivati ​​iniziarono a imitare gli stili delle classi alte per trovare lavoro, tenendo in grande considerazione le novità di Parigi. Con l'emergere della litografia di moda, sarte , o sarti, copiavano i disegni europei (a volte appropriandosi di stili per il clima di una particolare regione) e poi commissionavano sarte che, sopportando condizioni di lavoro miserabili, confezionavano abiti insieme con l'aiuto di macchine da cucire. Mentre l'abito femminile era diventato un po' più flessibile, incorporava ancora il corsetto e le gonne a strati e gli strascichi che richiedevano il trambusto. Man mano che le macchine da cucire diventavano più accessibili, molte donne sceglievano di acquistare abiti confezionati o di creare i propri stili, più comodi, a casa. Incoraggiando i lettori a considerare i design individualizzati e la prospettiva dell'emancipazione femminile, Juana Manuela Gorriti (Argentina) e Clorinda Matto de Turner (Perù) hanno usato il linguaggio della fantasia e dell'autotrasformazione, o la scrittura di moda, per entrare in un dibattito pubblico sul materialismo e autonomia economica.

Nel corso del Novecento, l'abito latinoamericano ispirerà diverse mode in Europa e negli Stati Uniti, dalla blusa con balze di pizzo ispirata alla rumba afrocubana, alla famosa messicana huaraches , o sandali di pelle intrecciata, al cappello di paglia Panama effettivamente creato in Ecuador. Voga e Guarda ha rivolto l'attenzione alle donne latinoamericane di tendenza le cui visioni di haute couture, come nel caso di Eva Perón (Argentina), e design nativi, ricordando la pittrice surrealista Frida Kahlo (Messico) che ha incorporato il folklore cina poblana costume dai colori sgargianti e con gonna a ruota nei suoi autoritratti e nella vita reale, avrebbe continuato a risuonare nell'immaginario popolare fino ai giorni nostri. Altre dichiarazioni di moda, più contemporanee, hanno avuto la tendenza a rivisitare il passato per un effetto retrò, come il giovane cubano americano che indossa il guayabera , una camicia di cotone leggera e ricamata indossata fuori dai pantaloni in tutti i Caraibi; o il chicano zoot-suiter, le cui appropriazioni in tempo di guerra degli abiti di suo padre ispirarono l'orgoglio etnico di fronte al razzismo e alla brutalità; o il ragazzo adolescente del club che indossa stili Inca-techno mentre balla in discoteca.

Tempi Rivoluzionari

Madre della Plaza de Mayo, 2008

L'ultima parte del ventesimo secolo è stata testimone di un terribile contraccolpo contro i valori democratici quando paesi come Argentina, Cile e Uruguay hanno installato governi militari. Rigidi codici di genere imponevano look puliti per gli uomini e stili femminili per le donne. In risposta alle violazioni dei diritti umani e al dramma degli 'scomparsi' (che si riferisce alle decine di migliaia di vittime uccise o di cui ancora non si conosce l'ubicazione), le Madri di Plaza de Mayo in Argentina hanno iniziato a protestare presso importanti monumenti nelle loro vestaglie e pantofole da casa, come per affermare visivamente che non avevano nessuno in casa di cui prendersi cura, poiché il regime aveva portato via i loro figli e le loro figlie. Le Madri indossano una sciarpa bianca, ricamata con i nomi dei loro cari scomparsi, durante le loro marce settimanali. Servendo da monumenti viventi per le vittime della repressione, i gruppi di madri in El Salvador e in tutto il mondo si sono appropriati di questa stessa sciarpa bianca nelle loro lotte contro l'ingiustizia sociale.

I movimenti rivoluzionari di Cuba (1959-) e Nicaragua (1979-1990) segnarono una svolta verso l'antimoda socialista, che associava la ricerca elitaria del lusso con il tipo di dominio capitalista che creava dipendenza da beni stranieri e sfruttava le classi lavoratrici. In effetti, gran parte dell'America Latina ha sperimentato uno sviluppo economico irregolare nel corso del ventesimo secolo. Nell'industria dell'abbigliamento, le multinazionali facevano affidamento sulla manodopera a basso costo dei lavoratori nativi per la tessitura, l'assemblaggio e la cucitura degli indumenti. Ma negli anni più recenti, anche il rivoluzionario Fidel Castro (Cuba) ha occasionalmente perso il suo camouflage per i piaceri sartoriali di un abito firmato blu scuro. Una maggiore consapevolezza delle condizioni di sfruttamento della maquiladora , le zone di trasformazione delle esportazioni istituite negli anni '60 che continuano a operare nell'ambito dell'Accordo di libero scambio nordamericano (NAFTA), a volte hanno portato i consumatori a boicottare collezioni specifiche e spingere per un sistema di moda più socialmente consapevole. Alcuni designer, come Carlos Miele (Brasile), hanno lavorato con donne del favelas , o baraccopoli e varie comunità indigene per stabilire cooperative che assicureranno salari equi per le loro creazioni.

Stile moderno

Rispondendo alle possibilità offerte da un mercato globale e dalle connessioni Internet, i designer ispanici Carolina Herrera (Venezuela), Oscar de la Renta (Repubblica Dominicana), insieme a Beth Sobol (Stati Uniti) e Victoria Puig de Lange (Ecuador), hanno formato il Council of Latin American Fashion Designers nel 1999. Un'affiliata Fashion Week of the Americas ha stabilito una piattaforma internazionale per la moda e la cultura latinoamericana. Nei giornali è emersa una nuova parola nella cultura popolare che combinava moda e il suffisso spagnolo -Suo (implicando, con una sfumatura di sarcasmo, un devoto). Il vestito attento fashionista ha perlustrato le pagine di stile in continua espansione di giornali ed e-zine per informazioni su nuovi talenti come Narciso Rodríguez (Stati Uniti), il famoso stilista dell'abito da sposa di Carolyn Bessette Kennedy, e ha affrontato con entusiasmo la proliferazione di identità alla moda. Nei centri urbani di San Paolo, Buenos Aires e Bogotà, top model come Gisele Bündchen (Brasile) e Valeria Mazza (Argentina) hanno promosso eventi di moda nazionali con appeal internazionale. Allo stesso tempo, gli accordi di libero scambio tra paesi, come il blocco del Mercosur nella regione del cono meridionale, hanno permesso agli stilisti di creare organizzazioni transnazionali, come Identità latine , per entrare in nuovi mercati. Tra gli altri, le case di Laurencio Adot (Argentina), Alexandre Herchcovitch (Brasile), Ronaldo Fraga (Brasile), Rubén Campos (Cile), Silvia Tcherassi (Colombia), Sitka Semsch (Perù) e Angel Sánchez (Venezuela) hanno guadagnato terreno reputazione nella categoria dell'abbigliamento femminile. Lina Cantillo e Ricardo Pava (entrambi colombiani) sembravano più conosciuti per le loro collezioni maschili. Fraga e Sylma Cabrera (Portorico) sono state notate nei circoli della moda per la loro attenzione all'abbigliamento per bambini. Nel ventunesimo secolo, la reputazione degli stilisti latinoamericani ha continuato a crescere sulla scena mondiale della moda.

Guarda anche Stile latino.

Bibliografia

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