Costume da ballo

Costume da ballo medievale

La relazione tra danza e costumi da ballo è complessa e non riflette semplicemente la pratica della danza in un periodo specifico, ma anche il comportamento sociale e i valori culturali. I costumi da ballo possono essere suddivisi nelle seguenti categorie: costumi da ballo storici, folcloristici o tradizionali, da sala, moderni e musicali. L'influenza si è diffusa dalla moda alla danza e viceversa.

Costumi Danza Storici

Dal XV al XVIII secolo, le feste alle corti europee richiedevano costumi da ballo molto elaborati. Lo stile dei costumi da ballo di corte tendeva ad essere simile all'abito quotidiano del periodo, incorporando, ad esempio, corsetti allacciati, maniche a sbuffo e tagliate, farthingales con gonne e decorazioni applicate. All'inizio del ventunesimo secolo, la riproduzione dei costumi di danza storica era evidente nelle attività delle organizzazioni di danza storica, come l'Istituto per la pratica della danza storica (IHDP) a Gand, in Belgio.

• Costumi da tip-tap
• Costumi di danza messicana
• Abiti di danza contemporanea

Costumi di danza popolare

Costume da ballo popolare bavarese

Dal XV secolo in poi, la danza popolare si sviluppò costantemente in Europa. Il campo dei costumi di danza popolare europea è molto complesso, poiché ciascuna delle regioni del paese ha i propri balli, abiti e costumi. Le danze popolari dell'Europa orientale, come czarda, mazurche e polke, si diffusero presto in Inghilterra e Francia. I costumi della danza popolare riflettevano l'aspetto dell'Europa orientale nell'uso di colori vivaci su sfondi scuri. I costumi erano spesso altamente decorati con perline, metallo e fili di seta. L'abito da donna di base era una chemise corta e di colore chiaro e una sottoveste, su cui venivano indossati diversi strati di tessuto. Un copricapo drappeggiato indicava lo stato civile di chi lo indossava (un copricapo elegante indicava che la ragazza non era sposata). La danza popolare europea ha costituito la base per le attività di danza di piazza. I coloni europei che arrivarono in America introdussero questo tipo speciale di danza country e il suo costume prima nel New England, ma in poco tempo la danza quadrata iniziò a diffondersi in tutto il paese. L'abito da sera era l'abito standard per i ballerini: gonne a cerchio lunghe fino alle caviglie per le donne e giacche formali per gli uomini. Durante i due secoli successivi, il mix culturale dei coloni europei in America ha portato a una varietà di costumi nazionali di danza popolare. L'abbigliamento da ballo contadino e da cowboy si basava principalmente su componenti dell'abbigliamento di tutti i giorni: camicie, pantaloni di cotone e stivali da cowboy per gli uomini e abiti a quadretti di cotone lunghi fino alla caviglia per le donne. Il minuetto, la polka, il valzer e la quadriglia attraverso la Francia e l'Inghilterra hanno portato in America costumi da ballo più elaborati: camicie e pantaloni a maniche lunghe su misura in stile occidentale per ballerini maschi e gonne e camicette con ricami floreali per le femmine. Accessori come cinture western, cravatte o fazzoletti di seta completavano l'abito da ballo quadrato.

Alla fine degli anni '90, designer di fascia alta come Dolce & Gabbana, Roberto Cavalli e Miu Miu avevano creato un 'look da cowboy urbano' con abiti di ispirazione occidentale impreziositi da motivi floreali su capi di abbigliamento come camicie da smoking e jeans, come così come i tradizionali stivali da cowboy a punta.

All'inizio degli anni 2000, le ballerine di piazza dilettanti e professioniste indossano spesso gonne a doppio giro con balze alternate nel tessuto e ampi merletti bianchi. Il pizzo viene utilizzato su corpetto e maniche, mentre un'applicazione e un fiocco sono cuciti sull'ombelico aderente. I ballerini quadrati maschi indossano camicie in stile cowboy con sciarpa legata intorno al colletto, jeans con tasche alte e talvolta un cappello da cowboy. I polsini dei pantaloni sono solitamente indossati all'interno degli stivali da cowboy. Il libretto di United Square Dancers of America (USDA), Abbigliamento da ballo in piazza , è probabilmente la migliore risorsa per la storia dei costumi da ballo di piazza.

Costumi di danza del ventre

danzatrici del ventre

La danza orientale, o del ventre, ha origine da movimenti simili a serpenti forniti dalle sorelle di una donna che partorisce mentre cercavano di ispirarla a consegnare il bambino. Nel 1893, la danza del ventre fu portata dal mondo arabo negli Stati Uniti in occasione dell'Esposizione Universale di Chicago. I tessuti dai colori esotici ricamati con pietre semipreziose, paillettes e perline sono caratteristici dello stile. Top semitrasparenti con frange rivelano pancia e ombelico mentre reggiseni e gonne a portafoglio oscillano ritmicamente al ritmo della musica mediorientale. Cinture di monete e sciarpe sui fianchi sono una parte essenziale dell'abito di danza del ventre. A volte le danzatrici del ventre si coprono il viso con un velo, soprattutto quando la danza è eseguita da un ballerino (travestimento). In alternativa, si indossano tuniche lunghe fino alle spalle con perline e paillettes sopra i pantaloni da harem. Storicamente, le prove indicano l'influenza cruciale dell'orientalismo islamico nella moda europea durante il ventesimo secolo, a partire dall'uso della forma della tunica da parte del designer francese Paul Poiret e aggiornando gli stili vecchio stile con pantaloni esotici harem e veli avvolti intorno al corpo negli anni '20 . Negli anni '90, le collezioni di prêt-à-porter e haute couture di stilisti dell'Europa occidentale e americani, come Miguel Adrover, Jean Paul Gaultier, John Galliano, Alexander McQueen e Rifat Ozbek, sono state influenzate dai costumi di danza del ventre orientale. Nancy Lindis farne-Tapper's

Lingue del vestito in Medio Oriente è una fonte dettagliata sull'abbigliamento mediorientale sia nel mondo antico che in quello moderno.

Costumi da ballo da sala

Ballerini da sala

Dall'inizio del XIX secolo, i balli da sala furono ripresi da un vasto pubblico e furono progettati abiti da sera speciali per adattarsi a queste occasioni. Il valzer, il fox-trot, la polka, la mazurka e il valzer viennese richiedevano uno stile elegante. Nel ventesimo secolo, i costumi da ballo per il tango, lo swing e il latino, Charleston, rumba, bolero, chacha, mambo e samba erano più erotici.

Costumi di danza moderna

All'inizio del XX secolo, i movimenti naturali di Isadora Duncan sul palco hanno caratterizzato una nuova era per la danza. Lo stile di danza moderna di Duncan è stato influenzato dall'arte greca, dalle danze popolari, dalle danze sociali e dall'atletismo. I costumi fluenti e i capelli sciolti hanno permesso una grande libertà di movimento della danza. Dopo la prima guerra mondiale, sono emersi gruppi di danza moderna con ballerine prevalentemente donne. Durante i decenni successivi, coreografi d'avanguardia, come George Balanchine e Martha Graham, e più tardi Merce Cunningham, Paul Taylor, Alvin Ailey e Pina Bausch, riformarono e liberalizzarono la danza tradizionale e i suoi costumi. Allontanandosi dalle tecniche tradizionali del balletto, la danza moderna ha dato origine a una nuova era di costumi. I costumi e il trucco hanno assunto un aspetto unisex poiché i coreografi hanno ritenuto meno rilevante differenziare i ballerini e i ballerini. Gli stilisti del teatro hanno sperimentato costumi seminudi: magliette trasparenti e pantaloncini neri corti per gli uomini e corpetti semplici e collant semplici per le donne erano gli abiti standard.

Nel 1934, il coreografo di danza neoclassica George Balanchine fu il primo a vestire i ballerini con abiti da prova per spettacoli pubblici. L'uso dei non colori caratterizzava i costumi di Balanchine, che erano quasi sempre in bianco e nero. Il suo senso per il minimalismo sul palcoscenico si è sviluppato attraverso la rivelazione della nudità.

Abito da ballo professionale e amatoriale

ballerini di tango

Abito da tango:

Di solito un pezzo con un top attillato e uno spacco basso oscillante alto per rivelare la gamba. I materiali elastici sono utilizzati per garantire una silhouette aderente. L'abito da ballo è spesso altamente decorato con strass, perline, glitter e paillettes.

Swing e vestito latino:

Molto simile agli abiti da tango, ma l'orlo molto più corto rende l'abito più sensuale e può rivelare l'intera gamba. Stampe animalier come la tigre o il leopardo intensificano la connotazione selvaggia di questi abiti.

Vestito Valzer e Fox-Trot:

Elegante abito intero spesso realizzato in costose sete leggere o rasi. Uno stile ampio e lungo fino alla caviglia intensifica i movimenti morbidi di queste danze.

Abito Charleston:

La necessaria libertà di movimento era garantita da chemisier al ginocchio ricamati con perline di vetro e paillettes. L'abito leggero e le lunghe frange lo facevano oscillare ritmicamente secondo i movimenti della danza, che faceva parte dello stile di vita dei ruggenti anni Venti e divenne la danza americana più popolare in Germania e in Europa; grazie in gran parte a Josephine Baker, che si esibì nel 1927 con la sua Charleston Jazz Band a Berlino.

Abito Polka e Mazurka:

Abito tradizionale folcloristico con stampa colorata e solitamente una camicetta contadina e una gonna a portafoglio impreziosita da opulenti volant e ghirlande. Durante gli anni '70, le camicette contadine divennero molto di moda nell'abbigliamento di tutti i giorni e designer di fascia alta come Emilio Pucci disegnavano capi in stile etnico con ricami e fronzoli. Camicette contadine floreali con morbidi orli arruffati hanno avuto un revival alla fine degli anni '90, quando marchi di stilisti come Yves Saint Laurent, Dolce & Gabbana, Moschino e Christian Dior hanno creato un tema di moda folcloristico.

Abito Rumba e Samba:

Con volant a contrasto sulla gonna e sulle maniche, questo vestito è spesso progettato in stile caraibico con colori vivaci.

Abito Cha Cha:

Un due pezzi con top aderente e ampia scollatura a spalle scoperte, mentre la gonna è ampia e a balze al fondo. Gli strass sono solitamente attaccati al tessuto per dare un effetto glamour.

Martha Graham è stata una delle prime a promuovere la danza senza scarpe da punta sul palco. Nel Diversione degli angeli (1948), ha vestito le ballerine con drappeggi e gli uomini erano quasi nudi. Le speciali corone e spille per cappelli di Graham ispirate a Isamu Noguchi sono diventate particolarmente famose come parte del costume di danza moderna. Recentemente nei tagli ventilati le gonne e gli abiti da ballo appaiono come pantaloni, permettendo una grande libertà di movimento. All'inizio, le danze di Graham venivano eseguite su un palcoscenico spoglio, che sottolineava il minimalismo che mostrava nei costumi. In seguito, sostituì anche le tradizionali tuniche da balletto dei ballerini maschi e l'abito popolare e i tutù delle ballerine con camicie dritte, spesso scure e lunghe o body per le prove. Insignita della Medal of Freedom nell'ottobre 1976, Martha Graham è stata la prima ballerina a ricevere tale distinzione.

Negli anni '50, i costumi dei coreografi di danza contemporanea orientati a Balanchine e Graham, come Merce Cunningham e Paul Taylor, tendevano a continuare a porre l'accento sullo stile seminudo, sebbene le stampe sui body personalizzassero lo stile individuale di danza contemporanea e i suoi costumi. Nel 1958, l'artista Robert Rauschenberg creò collant lucidi e setosi punteggiati di puntini arcobaleno per Cunningham's Spazio estivo. I disegni del coreografo e costumista Alwin Nikolais hanno influenzato il palcoscenico contemporaneo con spettacoli come Noumeno Mobile (1953) e Immagine (1963).

Costumi da ballo musicale

Le prove dei teatri musicali risalgono al diciottesimo secolo, quando in Gran Bretagna, Francia e Germania emersero due forme di questo spettacolo di canti e danze: le opere di ballata, come l'opera di John Gay L'opera del mendicante (1728), e in seguito opere comiche, come Michael Balfe's La ragazza boema (1843). A quel tempo, molte rappresentazioni avevano tirature brevi e i costumi di scena erano spesso basati sul design degli abiti di tutti i giorni. Alla fine del 1880, le opere comiche conquistarono Broadway a New York e le opere teatrali, tra cui Robin Hood , sono stati progettati per un pubblico popolare. Dal 1880 fino al 1920, il genere musicale-commedia emerse a Londra e designer come Lady Duff-Gordon, conosciuta come Lucile, elaborarono costumi alla moda per cantanti e ballerini. All'inizio degli anni '20, le tecniche di tip tap furono rese popolari e sul mercato furono disponibili scarpe da tip tap appositamente progettate.

Uomini in calzamaglia: il ballerino

In Russia, i ballerini sono molto apprezzati e di solito la formazione nel balletto classico è la base per una carriera nella danza. Sebbene esista un crescente interesse per la danza tra i ragazzi di altri paesi, molti sono troppo timidi per prendere lezioni di danza ed essere obbligati a indossare collant, comunemente considerati un capo di abbigliamento femminile. Pertanto, alcune scuole di danza consentono ai giovani studenti maschi di esercitarsi in magliette e pantaloni corti. Sotto gli abiti di pratica, i ballerini indossano solitamente dei sospensori, progettati per isolare e sostenere i testicoli. In alternativa, una cintura da ballo, biancheria intima specializzata, può essere indossata sotto i collant. In entrambi i casi, il marsupio davanti è triangolare, stretto e quasi piatto per dare sostegno e forma durante i passi di danza. Il tema della mascolinità nella danza ha ricevuto un trattamento popolare in film come The Children of Theatre Street (1977) e Billy Elliot (2000). Il libro di Ramsay Burt The Male Dancer esplora il tema della mascolinità nella danza in modo più approfondito.

Scarpe da tip-tap: suoni famosi

Le origini del tip tap, uno stile di danza teatrale americana con passi percussivi, risiedono nelle danze degli schiavi negli stati del sud che incorporarono il movimento e il ritmo africani nelle maschere e bobine europee all'inizio del diciannovesimo secolo. Il tip tap è stato adottato nei teatri dal 1840 e l'intasamento delle scarpe con la suola di cuoio è diventato sempre più popolare. Alla fin-desiècle, all'inizio del secolo, erano stati stabiliti due diversi stili di scarpe da tip tap: scarpe rigide con suola di legno, chiamate anche buck-and-wing, rese popolari dal duo Jimmy Doyle e Harland Dixon, e morbide scarpe con suola in cuoio rese popolari da George Primrose. Negli anni '20, piastre metalliche (rubinetti) erano state attaccate a scarpe con suola in cuoio, che producevano un suono forte e acuto sul pavimento. Negli anni '40 e '50, ballerini come Fred Astaire, Paul Draper e Gene Kelly resero popolari le scarpe da tip tap a un pubblico più ampio attraverso i film di Hollywood.

Negli anni Cinquanta, musical come Mia bella signora (1956) sorprese il pubblico con numerosi cambi di costume. La costumista Cecil Beaton aveva creato costumi che miglioravano la trasformazione di Eliza, la protagonista, da una comune venditrice di fiori in una signora dell'alta società. Nel 1975, di Michael Bennett Una linea di coro ha aperto a Broadway e gli abiti da aerobica e da ballo sono diventati popolari sul palco e nella vita di tutti i giorni. Tonalità luminose al neon in rosa, verde e giallo hanno dominato la gamma di colori. Collant da ballo, leggings, fasce e polsini si diffondono dal palcoscenico alla moda e viceversa. Nel 1988 il musical Fama , ispirato al film e alla serie TV, ha aperto a Londra e rifletteva la moda degli anni ottanta, mostrando body e pantaloncini. All'inizio del ventunesimo secolo, il musical di Bollywood di A. R. Rahman Bombay Dreamsay (2002) ha aperto a Londra e i suoi costumi indiani hanno dimostrato l'influenza etnica sulla scenografia.

Guarda anche Danza e Moda; Costume da balletto; Musica e Moda; Costume teatrale.

Bibliografia

Balasescu, Alexandre. 'Teheran Chic: foulard islamici, stilisti e nuove geografie della modernità'. Teoria della moda 7 (2003): 1.

Buonaventura, Wendy, and Ibrahim Farrah. Serpente del Nilo: donne e danza nel mondo arabo. Northampton, Mass.: Interlink Publishing Group, 1994.

Burt, Ramsay. Il ballerino : Corpi, Spettacolo, Sessualità. Londra e New York: Routledge, 1995.

Carter, Alessandra. Il lettore di studi di danza Routledge. Londra e New York: Routledge, 1998.

Dodd, Craig. Il mondo dello spettacolo del ballerino. Londra: Breslich & Foss, 1981.

Lindisfarne-Tapper, Nancy e Bruce Ingham. Lingue del vestito in Medio Oriente. Surrey: Curzon, 1997.

Strong, Roy, Richard Buckle e Ivor Guest. Progettare per il ballerino. Londra: Elron Press Ltd., 1981.

Risorse Internet

Comitato per l'istruzione della United Square Dancers of America, Inc. Libretto USDA B-018. Pubblicazioni USDA, 1997. Disponibile da http://www.usda.org .

Institute for Historical Dance Practice (IHDP) 2004. Disponibile da http://www.historicaldance.com .